jueves, 18 de septiembre de 2014

HAROLD LAND: Choma (Burn)

HAROLD LAND:
Choma (Burn)

- Harold Land: Saxo tenorn.
- Ndugu: Batería.
- Bill Henderson: Piano & piano eléctrico.
- Bobby Hutcherson: Vibrafono y marimbas.
- Harold Land, Jr.: Piano & piano eléctrico.
- Woody Theus: Batería.
- Reggie Jonson: Contrabajo

01. Choma (Burn).
02. Our Home.
03. Black Caucus.
04. Up and Down.

Originalmente grabado para el sello discográfico Mainstream, MRL 344 en 1971.

Boplicity Records.
CDBOPM 026
CD 2014. REEDICIÓN.


Harold Land, Choma (Burn) (Bobplicity Records, 2014)

Interesante y a la vez curiosa grabación esta reedición que comentamos del saxo tenorista americano Harold Land. En Jazz Recordings ya hemos comentado alguna grabación de este excelente músico, en concreto uno de sus mejores discos, The Fox.

La reedición que se comenta y publicada en el presente año, resulta chocante, o incluso se podría calificar de diferente a consecuencia de la sonoridad tan distinta a la que Harold Land nos tenía acostumbrados en sus grabaciones de los años 50 y 60 y muy en concreto por su presencia en el quinteto de Clifford Brown y Max Roach.

Choma (Burn) es fruto de la colaboración que llevaron a cabo el saxofonista Harold Land y el vibrafonista Bobby Hutcherson a finales de lo años 60 y principios de los 70. Una relación que trajo como resultado la publicación de diversos discos, algunos aparecidos a nombre de Land y otros a nombre de Hutcherson. Este que comentamos es el segundo que el saxofonista llevó a cabo para el sello discográfico Mainstream, y se trata de una producción escasamente corta en minutaje, tan solo treinta y cinco minutos, y configurado por cuatro temas de larga duración la mayoría de ellos.



Harold Land, Choma (Burn) (Mainstream Records, 1971)

La música que se puede percibir en este disco se encuentra influenciada por las sonoridades de los años 70, en donde la aparición de la fusión electrónica y las sonoridades de grupos como Miles Davis marcaron el inicio de esos años. “Black Caucus” es un claro exponente de lo señalado que junto a una exhuberancia sonora procedente de las percusiones y al sonido del vibráfono de Hutcherson nos retrotraen a la sonoridad de ciertos telefilms también de esa misma época. El tema que da nombre al disco participa de los elementos señalados pero así mismo de ingredientes de un hard-bop muy aguerrido y de ciertas aportaciones procedentes del movimiento free.

Las interpretaciones más canónicas, por decirlo de alguna forma, son los temas “Our Home” y “Up and Down” que con sus sonoridades a soul, funk y blues, todo ello aderezado con ciertos planteamiento de straight ahead jazz permitirán al aficionado disfrutar de las contribuciones solistas de Harold Land y Bobby Hutcherson, así como las contribuciones de Ndugu a la batería, la de Reggie Johnson al contrabajo y las del piano del hijo del saxofonista, Harold Land Jr.

Una interesante propuesta musical, que sin ser un disco imprescindible en la discografía de Harold Land, por el contrario nos permite comprobar su evolución y aportación musical al jazz.

martes, 16 de septiembre de 2014

ALBERT BOVER: ALBERT BOVER TRIO, Bilbon Biz-Bizian-Live in Bilbao

ALBERT BOVER:
ALBERT BOVER TRIO
Bilbon Biz-Bizian-Live in Bilbao

- Albert Bover: Piano.
- Masa Kamaguchi: Contrabajo.
- Jorge Rossy: Batería.

01. How Deep Is The Ocean.
02. Luiza.
03. 45´.
04. Verdad amarga.
05. Sis per vuit.
06. Nosferatu.
07. Raynald´s doubt.
08. The Wedding.

Grabado en directo el Conservatorio de Música Juan Crisóstomo Arriaga de Bilbao.

Moskito Rekords.
MR-0021302
CD + LP 2012

Albert Bover Trio, Bilbon Bizi-Bizian, Live in Bilbao (Moskito Rekords, 2012)


Hablar de Albert Bover es hacerlo sin lugar a dudas de uno de los mejores pianistas nacionales que existen en la actualidad. Siendo la anterior afirmación una obviedad, también lo es que el pianista catalán es uno de los músicos menos valorados de todos los tiempos en el jazz nacional. A pesar de ello, es  una circunstancia incontestable la excelsa calidad y profundos conocimientos musicales que Albert Bover ostenta tanto como músico, intérprete y compositor.

Aparecido en los años 80 junto a otros músicos que representaron la nueva ornada de jazzmen españoles (entre ellos señalar entre otros a Iñaki Salvador, Chano Domínguez, Perico Sambeat o Ramón Cardo), Bover ha sido reconocido por su excelente técnica, su sabiduría musical y sin lugar a dudas por su calidad interpretativa, a pesar del poco reconocimiento que ha tenido por parte de los aficionados.



Albert Bover © Photo by Joan Carles Abelenda

La grabación que comentamos es su más reciente aportación discográfica, algo a la que Bover por desgracia no se dedica en exceso. Para la misma ha contado con la colaboración de dos excepcionales músicos como son el contrabajista japonés afincado en Barcelona, Masa Kamaguchy y el baterista Jorge Rossy (ex baterista de Brad Mehldau) y toda una garantía de primer nivel en la sección rítmica.

El repertorio se encuentra confeccionado por una selección de standars y temas propios, comenzando con un tema con una fuerte tradición a sus espaldas, nada más y nada menos que el “How deep is the Ocean”, el cual es desarrollado con una técnica fluida y fantástica, en el tema es posible apreciar el oficio en la forma de exponer la melodía, un auténtico arquitecto de melodías e improvisaciones. Todo ello si cabe se puede comprobar de forma más clara en uno de los mejores temas del compacto, la interpretación del tema de Antonio Carlos Jobim, “Luiza”, en donde la sensibilidad y el lirismo son el hilo conductor expresivo pero ante todo momento exento de excesos ni afectismos gratuitos, lo que hace de la misma una versión extremadamente pulida y natural.

No hay que dejar de apuntar igualmente la preciosa versión del bolero de Consuelo Vázquez, “Verdad Amarga”, así como los temas originales del propio pianista como son “45´”, el vals “Six per vuit” o el tema dedicado al trompestista catalán Raynald Colom “Raynald´s doubt”, que vienen a demostrar el excelente compositor que es Bover, así como percibir como se desenvuelve pianísticamente en temas de mayor calado intepretativo y expresivo.

A este estupendo registro colaboran los dos músicos que acompañan al pianista catalán, muy especialmente el arte de Jorge Rossy que demuestra su sabiduría interpretativa con unas aportaciones ajustadas, precisas y sabias, y la del contrabajista Masa Kamaguchi, todo y que en determinados temas hace gala de un exceso interpretativo que no acaba de casar en su justa medida con algunas melodías y sonoridades. A pesar de ello el trío se desenvuelve a la perfección en todos los registros que aborda con una excelente compenetración interpretativa, lo que hace del compacto comentado una excelente grabación que no decepcionará a los aficionados.

Señalar para finalizar que la producción de esta grabación se compone de un compacto (con el doble de temas) y de un vinilo que se venden de forma unitaria y que hacen del mismo un producto para coleccionistas y fetichistas. Una excelente grabación de un gran músico que no debería de pasar desapercibida.

sábado, 13 de septiembre de 2014

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-DANNY GRISSETT

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-DANI GRISSETT
Concierto RAYNALD COLOM NYC QUINTET:

- Raynald Colom: Trompeta.
- Logan Richardson: Saxo alto.
- Danny Grissett: Piano.
- Michael Janisch: Bajo.
- Mario Gonzi: Batería.

Jamboree Jazz Club.
6 Junio Mayo 2013


Danny Grissett © Photo by Joan Carles Abelenda

miércoles, 10 de septiembre de 2014

FOTO: FREDDY COLE: Foto del concierto Jamboree (Barcelona)

FOTO: FREDDY COLE: Foto del concierto Jamboree (Barcelona).

- Freddy Cole: Piano y voz.
- Randy Napoleon: Guitarra.
- Elias Bailey: Contrabajo.
- Curtis Boyd: Batería.

Jamboree Jazz Club, Barcelona.
6 Agosto 2014


Freddy Cole © Photo by Joan Carles Abelenda

domingo, 7 de septiembre de 2014

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-MANOLO GUTIÉRREZ

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-MANOLO GUTIÉRREZ
Concierto MARCOS PIN, FACTOR E RESET:

- Marcos Pin: Guitarra.
- Javier Pereiro: Trompeta y fiscorno.
- José Luís Miranda: Trombón.
- Pablo Castaño: Saxo alto y flauta.
- Xosé Lois Míguelez: Saxo tenor.
- Toño Otero: Saxo tenor.
- Ton Risco: Vibráfono.
- Manolo Gutiérrez: Piano.
- Xacobe Martínez: Contrabajo.
- Max Gómez: Batería.

Jamboree Jazz Club.
31 Mayo 2013

Los pianistas del JAMBOREE-Manolo Gutiérrez © Photo by Joan Carles Abelenda

martes, 2 de septiembre de 2014

ARTÍCULO-PAOLO FRESU: EL SONIDO COMO EXCELENCIA

PAOLO FRESU: EL SONIDO COMO EXCELENCIA


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

El trompetista, fiscornista, compositor y arreglista italiano Paolo Fresu (Berchidda, Cerdeña, 1961) es un de los músicos europeos con mayor prestigio dentro de su instrumento. Junto al también trompetista Enrico Rava es probablemente uno de los creadores italianos más respetados y admirados del viejo continente debido principalmente a su afán creativo e investigador, circunstancia esta que le ha permitido tener una dilatada y abultada discografía en una variedad de formatos, así como colaborar con algunos de los mejores jazzmen más acreditados tanto europeos como americanos.

En los últimos años Paolo Fresu ha publicado cinco discos con el título !50 anni suonnati y que han servido para celebrar el cincuenta aniversario de Paolo Fresu y de paso dejar constancia del proyecto que consistió en cincuenta conciertos en cincuenta lugares diferentes de Cerdeña y en cincuenta días consecutivos; en estos conciertos se involucraron amigos y músicos del trompetista procedentes de todo el mundo desde Stefano Bollani a Ornella Vanoni, de Uri Caine a Omar Sosa, o de Ludovico Einaudi a Sheila Jordan. Fruto de esos casi dos meses de música así mismo fue la publicación del libro In Sardegna, Un viaggo musicale (Feltrinelli, 2012), una especie de recopilación de historias, vivencias y momentos de todas esas actuaciones y de las cuales Paolo Fresu quiso dejar constancia escrita, así como el libro ilustrado del fotógrafo Gianfranco Mura, Paolo Fresu, 50 anni suonnati (Illiso, 2012).

Paolo Fresu, In Sardegna, Un Viaggio Musicale (Feltirnelli, 2012)

Tras la monumental celebración señalada, en el presente año se ha publicado el compacto Paolo Fresu Quintet ¡30! (Tuk Music, 2014) y con el que se celebran los treinta años de existencia de su afamado quinteto italiano conformado por el propio Paolo Fresu, Tino Tracanna a los saxos, Roberto Cipelli al piano, Attilio Zanchi al contrabajo y Ettore Fioravanti a la batería y percusión. Un conjunto que “es posiblemente uno de los más antiguos del jazz europeo, un grupo que ha tenido siempre a sus mismos integrantes y sin cambios desde su creación en 1984”. Una formación con una gran experiencia, “en la actualidad somos treinta años mayores, lo que no has permitido tocar en muchos países del mundo y llevar a cabo una importante discografía”. Esta grabación podría ser una especie de resumen de muchos años de música, pero así mismo y tal como señala el propio Fresu es “una grabación diferente, pues ella nos ha concedido la posibilidad de compartir nuestra música, una música que es muy democrática y colectiva, pues tiene temas de todos sus componentes, y se podría decir que incluye la historia de cada uno de ellos”. Una formación en donde se puede encontrar “mucha interacción y mucho respeto, pues todos estamos muy atentos a lo que hace cada uno”.

La publicación de Paolo Fresu Quintet ¡30! es todo un acontecimiento, principalmente por la longeva duración de una formación, circunstancia esta que no suele ocurrir con demasiada frecuencia en nuestros tiempos debido principalmente a los intereses comerciales de sus componentes, de las envidias que puedan surgir o de los egos mal repartidos e interpretados. Algo que no se ha producido en el grupo de Fresu y en donde “el factor humano ha sido la clave para la duración del grupo”. A cerca de ese factor humano Fresu puntualiza que “tuve mucha suerte a la hora de seleccionar a los músicos para el quinteto, pues ellos desde el inicio estaban interesados por la música y no por otras cosas que están fuera de la misma”. Un grupo al que el propio Fresu considera que “le queda recorrido musical y creativo por delante, siendo un claro ejemplo de ello nuestra última grabación; es muy diferente pues en la misma vuelvo a tocar con la electrónica ya que durante muchos años lo había hecho de forma acústica, y donde se puede percibir unos temas muy trabajados tanto a nivel compositivo como musical”. Además puntualiza de forma clara y contundente que “no nos reunimos para tocar por tocar, pues a parte de esta formación toco con otros grupos, si tocamos juntos es por que tenemos una motivación detrás de la música”.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

La expresividad musical del quinteto italiano de Paolo Fresu ha tenido siempre reflejo en un músico y una formación, en concreto en la figura de Miles Davis y específicamente en su famoso segundo quinteto. Aunque el propio trompetista italiano también ha manifestado en numerosas ocasiones una gran pasión por otro de los mejores trompetistas en la historia del jazz, Chet Baker. Músicos a lo cuales ha homenajeado en su discografía con grabaciones como Porgy and Bess (Il Manifesto, 2001) o Kind of Porgy & Bess (BMG, 2002) para Miles Davis y el Shades Of Chet (Via Venetto Jazz, 1999) en relación a Chet Baker.

Las características del sonido íntimo y recogido de Fresu unido a su gusto por la melodía altamente expresiva, el lirismo sin afectaciones y las inagotables ganas de exploraciones sonorosas, hacen entrever las influencias de los dos grandes trompetistas. Influencias que a pesar del paso del tiempo “se siguen manteniendo, pues si olvidamos el pasado no tenemos presente ni futuro. La historia del jazz es una mezcla de la contemporaneidad de la música y del pasado”. La influencia incluso llega a la admiración cuando Fresu afirma que “Chet Baker fue un gran poeta y un gran instrumentista, con una música y un sonido único. Mientras que Miles también fue un gran instrumentista pero a su vez un gran buscador, un músico que abrió muchas puertas que nos han servido a los músicos actuales para entrar y descubrir cosas nuevas. La idea de componer la música en el tiempo real, que es una idea que yo llevo a cabo con mi cuarteto Devil [otra ilustre formación de Fresu], es la filosofía del quinteto de Miles Davis con Wayne Shorter”. El quinteto de Miles Davis ha sido siempre un espejo para Fresu hasta el punto que “la idea original de mi quinteto era tocar como lo hacía el quinteto de Miles, en donde se puede pasar de un tema al otro en un tiempo real, lo que a la larga me permite cambiarlo todo de forma coherente”.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

Siendo el quinteto de Paolo Fresu una de las formaciones más importantes dentro de su larga carrera como músico, igualmente hay que apuntar el interés y la motivación para desarrollar su lenguaje en formaciones bien distintas como han sido el dúo, el trío, el cuarteto, en sexteto, incluso agrupaciones de mayor tamaño. Los conciertos que ha llevado a cabo Paolo Fresu en su gira de primavera por los diversos clubes españoles, la ha realizado en formato de dúo y acompañado por el pianista italiano Dino Rubino. Un formato que a lo largo de los años le ha llevado a colaborar y grabar con pianistas tan diversos como es el caso de Uri Caine o el de Omar Sosa. Esta formación le proporciona “libertad, sonido y espacio. Los formatos de dúo y trío son difíciles debido a que uno siempre tiene que estar en conexión con los músicos que tocas. Me gusta mucho tocar con formaciones pequeñas por que uno tiene más espacio”. Pero como pasa en muchas circunstancias de la vida siempre hay problemas y en el caso de Fresu “es difícil poder encontrar compañeros de viaje para compartir un lenguaje musical determinado”.

Las personalidades de cada “compañero de viaje” hacen que cada dúo con pianista sea totalmente distinto, lo que conlleva por definición una búsqueda distinta y por tanto también, un resultado distinto. Ello le ha posibilitado tocar con una larga lista de pianistas, “Uri Caine tiene una forma muy diferente en su forma de interpretar, mientras que por el contrario de Dino Rubino lo que me gusta es que toca el piano de la misma forma que toca la trompeta (Rubino fue alumno mío de trompeta, combinaba trompeta y piano, pero acabó tocando el piano); toca el piano de una forma muy melódica. Por el contrario Omar Sosa toca la música del mundo, mientras que en cambio Dado Moroni toca mucho jazz. Lo importante con el piano es que cada pianista es un mundo completamente diferente, lo que me obliga a relacionarme con esos mundos tan distintos”.

La lista de pianistas con los que ha colaborado Paolo Fresu es considerable, entre ellos a parte de los ya comentados se pueden citar a Alain Jean Marie, Stefano Bollani o Michel Graillier, aunque su gusto por relacionarse con otros mundos musicales hacen que su lista se encuentre inacabada. Fresu manifiesta su gusto por tocar con algunos pianistas en concreto como son, “Keith Jarrett o los pianistas escandinavos como Jon Balke o Bugge Wesseltoft. El mundo esta lleno de pianistas increíbles, y por tanto cada uno tiene su idea del piano. El piano es como una orquesta, al ser un instrumento polifónico y polirrítmico cada pianista puede ser completamente diferente uno del otro. Esto no pasa con un instrumento como la trompeta que es muy parecido, todo y que el sonido de Miles o Chet Baker, o de Lee Morgan y un largo etcétera de trompetistas todos son diferentes, pero la final el sonido de la trompeta es su sonido. Por contrario, el sonido del piano es distinto por que tiene otras cosas y a eso se le añade que cada músico por tanto tiene su propio mundo”.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

A parte de esta formación comentada de dúo y piano, Fresu ha establecido relaciones musicales con numerosas y diversas agrupaciones, “cada grupo es diferente, aunque intento ser igual en cada una de ellas. Lo que se puede compartir con cada uno de los músicos diferentes que me encuentro es la idea del sonido. Si el sonido es muy distinto el proyecto no funciona. No puedes cambiar tu sonido, por la sencilla razón que tu sonido es tu cara, es tu idea. Con cualquier grupo que toco mi personalidad es mi sonido. Es como lo que ocurrió con Miles en los años 80 y 90. Cuando Miles empezó a tocar junto a guitarras eléctricas y muchos instrumentistas, se le criticó que lo que tocaba no era jazz. El sonido de Miles era siempre el mismo sonido. La idea del sonido de los años 80 y 90 era la misma idea de sonido con la que tocaba en los años 50. Lo único que ocurrió es que cambió la cornisa, pero la idea del sonido nunca la cambió”.

Relacionado con esta idea de sonido que Fresu señala, sus inquietudes musicales y sus innovaciones expresivas le han permitido desarrollar unas sonoridades diferentes que le provienen de campos tan distintos como son el terreno vocal o las sonoridades provenientes de la música culta. En concreto de proyectos como los que llevó en el primer caso para el sello discográfico de Manfred Eicher, Místico Mediterraneo (ECM, 2011) y en el segundo caso con su participación con el cuarteto de cuerdas Alborada, Think (Blue Note, 2009). “Estas participaciones me han permitido tener un registro completamente diferente. Cuando toco con Místico Mediterráneo es otra voz, es el encuentro de tres instrumentos de viento; la trompeta, el bandoneón y la voz. Mientras que con el cuarteto de cuerdas es algo también completamente distinto. Me encanta tanto el repertorio de música clásica como contemporánea, así como la música barroca”. Este interés por investigar nuevas sonoridades le ha proporcionado un elevado número de actuaciones en directo con el cuarteto Alborada, a consecuencia de la fascinación que le produce la polifonía de los miembros del cuarteto de cuerda.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

En relación con esta idea del sonido y de las sonoridades, Fresu ha tenido la posibilidad en su carrera discográfica de grabar en el sello discográfico ECM Records y en donde su lema habla por si solo “el sonido más bello después del silencio”. El primer disco con el mencionado sello fue junto a Ralph Tower, Chiaroscuro (ECM, 2010) y estuvo producido por Manfred Eicher, mientras que su segunda colaboración, Místico Mediterraneo (ECM, 2011), la grabación fue realizada en Italia y sin la presencia del afamado productor. En relación a Eicher el trompetista italiano señala que “me gusta como piensa en relación a la música, tiene una idea de música muy personal e interesante. Además con su presencia el puede sugerir cosas nuevas durante una grabación. Nosotros los músicos tenemos una idea de música, pero cuando Eicher está detrás del vidrio en una grabación siempre pueden surgir cosas. Además tiene una concepción clara del sonido que quiere conseguir”.

Paolo Fresu movido por sus ansias creativas en el año 2010 crea su propio sello discográfico, Tuk Music, un proyecto que tiene como idea principal el “de compartir música con otros músicos y de ayudar a músicos jóvenes para entrar dentro de la música. La idea de la creación del sello discográfico es servir de instrumento para explicar la música. La idea no es solo hacer un disco, sino que lo importante es poner algo más detrás de ese disco. Cada músico tiene una libertad total para hacer lo que crea necesario”. Sin duda alguna Tuk Music es un laboratorio discográfico que sirve a Fresu para dar salida a sus propios proyectos musicales, pero principalmente para ayudar a otros talentosos músicos tanto italianos como europeos.

Ante esta nueva puerta de libertad creativa que le proporciona Tuk Music y vista su larga y extensa trayectoria musical el aficionado se preguntará que reto musical le queda por llevar a cabo a Paolo Fresu, algo que el músico italiano tiene claro a nivel de exigencia musical, en concreto “el de tocar mejor; pues si toco mejor con mi persona, toco mejor con los otros músicos con los que me relaciono”.


Paolo Fresu © Photo by Joan Carles Abelenda

Además en relación a la música Fresu que interpreta tiene claro que la misma “es un instrumento muy válido para cambiar el mundo, tanto a nivel social, político y económico. La música es un instrumento increíble de economía. Incluso en Italia ha habido algún ministro que ha llegado a afirmar que de la cultura no se come. Cosa que no es verdad, por la sencilla razón que con esa afirmación quiere decir que no se tiene necesidad de hacer cultura. Y es todo lo contrario, ya que la cultura tiene respuestas sobre las personas, ya que sirve para hacer pensar y para mover a nivel económico. Del tema económico se habla mucho, mientras que de la cabeza o el pensamiento no se habla nada, pero los dos juntos son la llave para leer la crisis en que está inmersa la sociedad actual”.

Estas últimas afirmaciones nos permiten comprobar la importancia de la música en la vida social y económica de la sociedad, algo a lo que Paolo Fresu ha contribuido a lo largo de los años, y que esperamos que siga contribuyendo.

NOTA: El presente artículo se redactó para la revista Más Jazz.

domingo, 31 de agosto de 2014

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-ADRIAN IAIES

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-ADRIAN IAIES
Concierto ADRIAN IAIES & HORACIO FUMERO:

- Adrian Iaies: Piano.
- Horacio Fumero.

Jamboree Jazz Club.
8 Mayo 2013

Los pianistas del JAMBOREE-Adrian Iaies © Photo by Joan Carles Abelenda

jueves, 28 de agosto de 2014

MAX ROACH: We INSIST! Freedom Now Suite

MAX ROACH:
We INSIST! Freedom Now Suite

- Max Roach: Batería.
- Broker Litlte: Trompeta.
- Julian Priester: Trombón.
- Walter Benton y Coleman Hawkins: Saxo tenores.
- James Schenck: Contrabajo.
- Michael Olatunji: Congas.
- Ray Mantillas y Tomas Dubai: Percusión.
- Abbey Lincoln: Voz.

1. Driva Man (Roach, Oscar Brown) 5:17
2. Freedom Day (Roach, Brown) 6:08
3. Triptych: Prayer/Protest/Peace (Roach) 8:09
4. All Africa (Roach, Brown) 8:01
5. Tears for Johannesburg (Roach) 9:42

Grabado en New York el 31de Agosto y 6 de Septiembre de 1960.
Candid CCD79002
CD REEDICIÓN


Max Roach, We INSIST!-Freedom Now Suite (Candid, Reedición)
Valoración Jazz Recordings:



Max Roach ha sido uno de los bateristas más importantes e influyentes de la historia del jazz, no sólo por haber tocado con los mejores músicos de todos los estilos, sino por su aportación tanto musical como extramusical al mundo del jazz, y en concreto en la lucha por los derechos civiles de la población afro-americana en Estados Unidos. A lo largo de la historia del jazz, algunos trabajos se han desarrollado en paralelo a las condiciones sociales y culturales preexistentes en ese momento, uno de estos trabajos es el presente disco que comentamos.

A finales de los años 50 y principios de los años 60, Max Roach se alineó de una forma clara y contundente por la lucha de los derechos civiles y consecuencia de este posicionamiento, fue la publicación de dos trabajos en la carrera del baterista norte-americano, Deeds Not Words en 1958, y We INSIST!-Freedom Now Suite de 1960. De estos trabajos, el último de ellos y que ahora glosamos, fue el que mayor influencia y proyección conllevó en el momento de su publicación.

Es difícil poder percibir en la actualidad lo que en su momento tuvo que acontecer con la aparición de este disco y que constituyó una autentica revolución en el mundo de jazz. En el trabajo We INSIST!-Freedom Now Suite, todo es importante, desde la cubierta del disco donde un grupo de jóvenes negros se encuentran sentados de semi de espaldas en un bar reservado para blancos; los títulos de las letras (“Driva´Man”, "Freedom Day”, “Triptych: Prayer/Protest/Peace”, “All Africa” y “Tears for Johannesburg”); la música y las canciones interpretadas, hasta la participación de algunos de los músicos más importantes de todos los tiempos, como Broker Litlte, Coleman Hawkins, Olatunji y Abbey Lincoln (por entonces esposa de Max Roach). Todo es importante, lo que lleva a poder afirmar que más que delante de una grabación de música nos encontramos frente a un documento histórico, al tratarse de una de las primeras grabaciones en el jazz que sirvió para dar carta de naturaleza al movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos.

Por lo que respecta a la música destacar que la presencia de la voz de Abbey Lincoln es un elemento vital en el desarrollo de toda la grabación, circunstancia esta que sirvió de vehículo de expresión para dar a conocer el estado del pueblo afroamericano. Los gritos manifestados en el tema “Triptych: Prayer/Protest/Peace” (a dúo con Max Roach), son gritos de protesta, son gritos de liberación, son gritos que expresaban una tensión y un poder de tal magnitud hasta la fecha desconocidos. Todo ello se apoyaba en una batería igualmente reivindicativa, con claras influencias de ritmos y percusiones africanos, lo que confiere a este instrumento y a la música desarrollada una concepción mucho más amplia que la simple categorización de jazz (lo que en su momento el Art Ensemble de Chicago planteó como la Gran Música Negra -Great Black Music-, por que como afirmaban, es grande, es música y es negra).

Max Roach para la grabación incluyó tanto a músicos latinos como afroamericanos, componiendo a su vez música con claras referencias al régimen opresor de apartheid de África del Sur (ello se puede apreciar en el tema “Tears for Johannesburg”). Esta manifestación contra el apartheid se relacionó de una forma directa con el resto de temas y con la segregación que en aquellos momentos se estaba produciendo en los Estados Unidos.

El resto del trabajo mantiene un ritmo musical, interpretativo y expresivo que permiten calificarlo de espectacular y poderoso, gracias a la participación de músicos de la calidad de Broker Litlte, Coleman Hawkins y Olatunji (lástima que su participación sea escasa en determinados pasajes de la grabación), constituyendo la grabación una pieza de música esencial en cualquier buena discoteca de jazz que se precie.

Un auténtico cinco estrellas imprescindible.

domingo, 24 de agosto de 2014

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-KRIS DAVIS

FOTO-Los pianistas del JAMBOREE-KRIS DAVIS
Concierto KRIS DAVIS:

- Kris Davis: Piano.
- John Hébert: Contrabajo.
- Tom Rainey: Batería.

Jamboree Jazz Club.
3 Mayo 2013


Los pianistas del JAMBOREE-Kris Davis © Photo by Joan Carles Abelenda

jueves, 21 de agosto de 2014

LIBRO: MÚSICA PARA LEER, Black Music. Free Jazz y conciencia negra 1959-1967

LIBRO: MÚSICA PARA LEER
Black Music.
Free Jazz y conciencia negra 1959-1967

Leroi Jones (Amiri Baraka)
Traducción de Patricio Orellana.
224 Páginas.
Publicado por Caja Negra Editora.
Idioma: Castellano.
Encuadernación: Rústica con solapas.
1ª edición, 2013.
ISBN: 978-987-1622-24-5
2013

Black Music-Free Jazz y conciencia negra 1959-1967, Leroi Jones (Amiri Barka) (Caja Negra, 2013)

La frase con que se inicia la compilación de textos del poeta, novelista, ensayista, dramaturgo, músico y activista político Leroi Jones (también conocido como Amiri Baraka), es todo un posicionamiento en la forma de pensar y de criticar que tuvo Jones a lo largo de su carrera como comentarista musical. Un posicionamiento que es posible advertir a lo largo de los ensayos, reseñas, notas para discos, crónicas o impresiones personales que entre los años 1959 y 1967 publicó Leroi Jones.

El compendio de ensayos que conforman Black Music se encuentran pensados desde una misma óptica y teniendo como principal artículo del mismo el titulado “La avant-garde del jazz” (redactado en 1961) y que sirve para dividir el libro en dos partes, una primera que se encarga de los músicos que según Jones y que pese a ser ya reconocidos se mantenían activos, y una segunda, la de aquellos otros músicos a quienes identificaba con la denominación de new thing. Un término que no acuñó Jones, pero que sirvió para apuntar la nueva hornada de músicos que hicieron su eclosión a principios de los años 60.

Black Music recoge los pensamientos y opiniones a cerca del desarrollo de los estilos del jazz a finales de los años 50 y principios de los 60, así como de músicos que con el tiempo se han convertido en leyendas de la historia, tan sólo cabe citar a John Coltrane (de quien el lector podrá percibir la gran admiración que le profesaba Leroi Jones), Roy Haynes, Sonny Rollins, Wayne Shorter, Cecil Taylor, Archie Shepp o Don Cherry.

El lector y aficionado encontrará mezclado entre los textos referidos a la música negra una crítica mordaz y en algún momento ácida contra la política racial que por aquellas fechas se llevaba en los Estados Unidos. Los textos reflejan un componente social muy fuerte e incluso reflexiones sobre aspectos tan candentes como era la crítica musical blanca y el jazz, una circunstancia de la cual se percibe cierta impotencia y desazón al comprobar como muy pocos y contados críticos negros aparecían en diarios de renombre.

Los ensayos son extraordinariamente metódicos y muy sociales, lo que sirve para hacerse una idea de los aspectos de la sociedad en Estados Unidos en esos años, así como para percibir la lucha por los derechos civiles y la subsistencia de los músicos negros.


Música Negra, Leroi Jones (Jucar Jazz, Ediciones Jucar, 1986)

Esta colección de ensayos no es la primera vez que aparecen publicados en castellano, pues los mismos (a excepción de la entrevista con Amiri Baraka que aparece en la edición de Caja Negra), fueron publicados en 1986 en Ediciones Jucar, en la colección denominada Jucar Jazz. La edición de Jucar en la actualidad es un libro de muy difícil localización, lo que hace que la nueva edición ahora comentada sea una excelente posibilidad de adquisición, que sin duda alguna no dejará indiferente a ningún aficionado. Un libro de esos que se pueden calificar de “imprescindibles” para cualquier aficionado que quiera adentrarse en las circunstancias creadoras en Estados Unidos a finales los año 50 y 60, y además, de la mano de toda una autoridad musical de referencia como fue Leroi Jones (Amiri Baraka).